- (от франц. empire империя), стиль в архитектуре и искусстве трёх первых десятилетий XIX в., завершающий эволюцию классицизма. Ориентируясь на образцы античного искусства, ампир преимущественно опирался на художественное наследие архаичной … Художественная энциклопедия

ампир - а, м. empire m. 1. Крупное монархическое государство древнего и нового времени. БИШ. По французски произносится: empire. Что такое империя? , спросил меня один знакомый. Это соединение несоединяемых под одну власть, отвечал я. Огарев Империя. 2 … Исторический словарь галлицизмов русского языка

ампир - АМПИР, а, м. Что л. помпезное, вычурное, напыщенное, претенциозное. Не баба ампир. Сталинский ампир архитектура времен И. В. Сталина. Советский ампир типичная советская архитектура … Словарь русского арго

- (от франц. empire букв. империя), Стиль в архитектуре и декоративном искусстве трех первых десятилетий 19 в., завершивший развитие классицизма. Массивные лапидарные, подчеркнуто монументальные формы и богатый декор (военные эмблемы, орнамент),… … Большой Энциклопедический словарь

Ампир - Ампир. Ф.О. Жакоб. Шкафчик. Национальный музей. Фонтенбло (Франция). АМПИР (от французского empire, буквально империя), стиль в архитектуре и декоративном искусстве 1 й трети 19 в., завершивший развитие классицизма. Первоначально сложился во… … Иллюстрированный энциклопедический словарь

АМПИР, ампира, муж. (франц. empire, букв. империя) (иск.). Художественный стиль, преим. в архитектуре и мебели, распространившийся из Франции эпохи империи (в начале 19 го в.) в Зап. Европе и России. Русский ампир. Толковый словарь Ушакова. Д.Н.… … Толковый словарь Ушакова

- (от французского empire, буквально империя), стиль в архитектуре и декоративном искусстве 1 й трети 19 в., завершивший развитие классицизма. Первоначально сложился во Франции при Наполеоне I, служил воплощению идей государственного могущества.… … Современная энциклопедия

1. а, муж. Возникший во Франции в конце 18 нач. 19 в. стиль в архитектуре и в декоративном искусстве, основанный на подражании античным образцам. 2. неизм. Имеющий такой стиль, выполненный в таком стиле. Архитектура а. | прил. ампирный, ая, ое (к … Толковый словарь Ожегова

- (от французского empire, буквально империя), стиль в архитектуре первой четверти XIX в., завершивший эволюцию классицизма. Ориентируясь на образцы античного искусства, опирался на художественное наследие архаической Греции, императорского… … Санкт-Петербург (энциклопедия)

Сущ., кол во синонимов: 1 стиль (95) Словарь синонимов ASIS. В.Н. Тришин. 2013 … Словарь синонимов

- (фр. empire – букв. империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве трех первых десятилетий ХIХ в., завершивший развитие классицизма. Сложился в период империи Наполеона I во Франции, где его отличало парадное великолепие мемориальной… … Энциклопедия культурологии

Книги

  • Ампир "В" , Виктор Пелевин. Юноша становится вампиром, сверхчеловеком, одним из представителей расы, выведшей людей для прокорма, как скот. В новой жизни ему предстоит изучить самые важные науки для понимания…
  • Ампир "В" , Виктор Пелевин. Юноша становится вампиром, сверхчеловеком, одним из представителей расы, выведшей людей для прокорма как скот. В новой жизни ему предстоит изучить самые важные науки для понимания…

Ампир , или "Стиль империи" (франц. Empire) - исторический художественный стиль, впервые сложившийся во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта.

Основные черты стиля ампир

Ампир коренным образом отличается от . Мягкую и светлую гармонию искусства периода Людовика XVI и демократическую строгость стиля Директории сменили парадный пафос и театральное великолепие «Стиля Первой Империи». Наполеон стремился к блеску и ореолу славы римских императоров. Если свободно возникший классицизм был ориентирован на демократические Афины периода классики Века Перикла, то художникам французской Империи было строго указано брать за образец формы искусства Древнего Рима.

Наполеоновский Ампир - стиль жесткий и холодный. П. Верле назвал его «затвердевшим стилем Людовика XVI». И. Грабарь писал, что «блестящее развитие Классицизма во Франции было прервано «холодной диктатурой Ампира». Ампир демонстрирует вырождение классицистических форм, выхолащивание их подлинного историко-культурного смысла, духовного содержания, но, вместе с этим, этот стиль своеобразно продолжает никогда не прерывавшуюся во Франции (в этом особенность развития французского искусства) классицистическую традицию. Ведь не случайно историк художественных стилей В. Курбатов подчеркивал, что «Появление стиля Ампир не было переворотом в последовательном развитии французских стилей, а видоизменением все тех же классических элементов, которые были известны во Франции со времен Людовика XIV или даже Франциска I».

Парадоксально, но Ампир, несмотря на свою нормативность и регламентированность, ограничивающую свободу мышления художника, был романтичен. Сам Наполеон восхищался «эпосом Оссиана» (стилизацией под шотландский эпос) наравне с Гомером. А картина Жерара «Оссиан, вызывающий призраков» (1801), исполненная по заказу Наполеона для дворца Мальмезон, вызвала шумный успех в Париже. После Египетского похода Наполеона (1798-1799), как бы вопреки его полному провалу, в Париже распространилась мода на «египетский стиль ».

В 1802-1813 гг. осуществлялось грандиозное 24-томное издание «Путешествие по Верхнему и Нижнему Египту» с гравюрами по рисункам, исполненным во время похода бароном Д.-В. Деноном. В 1809-1813 гг. вышло столь же грандиозное «Описание Египта» Ф. Жомара, также иллюстрированное рисунками Денона.

Эти иллюстрации вместе с «образцовыми проектами» Персье и Фонтена стали главным пособием для многих рисовальщиков-декораторов, орнаменталистов, лепщиков, резчиков, мебельщиков, ювелиров. Но основными декоративными мотивами стиля Ампир оставались все же атрибуты римской военной истории: легионерские знаки с орлами, связки копий, щитов и ликторских топоров. Любопытно, что вся эта мешанина из элементов римского и египетского искусства не переходила в открытую эклектику. Отчасти это объясняется тем, что еще в период древнеримской империи произведения искусства Египта вместе с древними культами Исиды и Гора попадали в Рим.

В начале XIX столетия эта связь стала еще более прочной и идейно обоснованной, поскольку формы искусства египетской империи времени Рамзесов и древнеримских императоров соединились в художественных амбициях французского узурпатора. Они сосуществовали целостно и органично в едином «пространстве» романтического мышления. Стиль Ампир во Франции начала XIX в. своеобразно продолжает традиции художественного романтизма, начинавшегося еще в середине предыдущего столетия неоготикой в Англии. Ампир продолжил обращение к истории, углубление в прошлое - не только в античность, но и в Древний Египет. Однако с методологической стороны Ампир нормативен и, следовательно, неромантичен. Поэтому эволюция художественных стилей в искусстве Франции - от Рококо, через , к Ампиру, слишком напоминает, как бы в обратном порядке, развитие, которое происходило в Италии XVI столетия: от Классицизма эпохи Возрождения к и Барокко. Характерное для Ампира сочетание «римских» и «египетских» мотивов, красного дерева и золоченой бронзы, а также бронзы патинированной, матово-черной, ассоциирующейся с базальтами Египта, можно видеть в произведениях прославленного парижского бронзовщика П.-Ф. Томира и его мастерской. С 1805 г. Томир был «придворным чеканщиком» Бонапарта, он изготавливал бронзовые детали мебели, светильники - бра, канделябры, треножники, вазы и корпуса часов.

Во всех изделиях явственны отличия ампирной декорации от подлинного Классицизма. В классицистическом стиле объемная форма и декор связаны пластично, подвижно; они переходят друг в друга, меняя взаимное расположение и функции в общей композиции. В стиле Ампир композиция строится на контрасте чистого поля поверхности стены, мебели, сосуда и узких орнаментальных поясов, в строго отведенных местах, как правило, подчеркивающих конструктивные узлы и членения формы. Это противопоставление дополнительно усиливается необычной плотностью орнамента и контрастами цвета.

Для Классицизма типичны мягкие и сложные красочные гармонии, для Ампира - яркие, режущие глаз красный, синий, белый - цвета наполеоновского флага. Стены затягивались ярким шелком, в орнаментах - круги, овалы, ромбы, пышные бордюры из дубовых ветвей, наполеоновские пчелы и звезды из золотой и серебряной парчи на алом, малиновом, синем или зеленом фоне.

Таким образом, основными категориями формообразования в искусстве стиля Ампир стали историзм, нормативность, рационализм, декоративность, тектоничность, в поздних формах - открытый эклектизм. В знаменитом парижском особняке, построенном в 1804-1806 гг., для пасынка Наполеона, принца Е. Богарнэ и его сестры Гортензии, интерьеры оформлены в самых разных стилях, там соединяются «помпеянские», египетские, римские и даже «турецкие» мотивы, что создает общий «сибаритский характер ампирного интерьера». Возможно, именно эти разрушительные тенденции, независимо от политического поражения Наполеона, послужили причиной столь скорого перерождения Ампира в «стиль Карла X», открывший период собственно Историзма как эпохи «воссозданий».

История стиля

Хронологические рамки оригинального французского «Стиля Империи» узки, - они ограничены, с одной стороны, концом правления Директории (1799) или годом коронации Наполеона (1804), а с другой - началом реставрации Бурбонов (1814-1815). Тем не менее, в столь краткий исторический период французский неоклассицизм, выросший на естественном интересе к античности и усиленный идеями Просвещения, успел переродиться в холодный, помпезный, напыщенный, искусственно насаждаемый императорской властью стиль. Его основные элементы, почерпнутые из античного искусства, уже содержались в Классицизме «стиля Людовика XVI» и были кристаллизованы, в «стиле Директории».

Развитие в разных странах

Характерна еще одна особенность Ампира: присущая ему регламентированность почти полностью исключила возникновение региональных течений и школ. Именно поэтому Ампиром правильно называть только искусство Франции начала XIX в., но в своей сути, Ампир не национален, а космополитичен (не интернационален, как, к примеру, Готика, а непримирим к народным традициям). Являясь выражением имперских притязаний Наполеона Бонапарта на мировое господство, этот стиль насильственно насаждался на чуждую ему почву завоеванных стран. Примечательно, что ни одна из побежденных Наполеоном стран, по существу, не приняла этого стиля. В Германии и Австрии своеобразной художественной оппозицией наполеоновскому нашествию стал стиль Бидермайер, хотя в нем отчасти и использовались ампирные формы.


И только одна страна-победительница - Россия добровольно приняла «стиль Империи». На это были и свои внутренние причины: Россия становилась могущественной империей. Еще до начала Отечественной войны 1812 г. архитекторы Персье и Фонтен, с разрешения Наполеона, через французского посла в Петербурге, посылали российскому императору Александру I альбомы с видами «всего замечательного, что строилось в Париже». Русская аристократия подражала нравам парижских салонов. Сам Наполеон присылал Александру описания своего итальянского и египетского походов с гравюрами. Эти отношения были прерваны войной. Но уже в 1814 г. в Париже император Александр встретился с П. Фонтеном и, еще до вторичного вступления союзных армий, получил тринадцать альбомов с рисунками пером и акварелью - проектами оформления интерьеров и мебели. Эти альбомы сыграли существенную роль в распространении стиля «русского (петербургского) ампира». Во Франции они были опубликованы только в 1892 г. Персье и Фонтен, после поражения французской Империи, и сами стремились на русскую службу, но Александр предпочел им О. Монферрана, тогда никому неизвестного, будущего создателя грандиозного Исаакиевского собора в Петербурге.


Таким образом, в Европе сложились две разновидности Ампира: французский и русский . «Русский ампир» (это определение правильней брать в кавычки) был мягче, свободнее, пластичнее французского. Он делится на две ветви: столичную и провинциальную. Создателем стиля петербургского ампира считается «русский итальянец» К. Росси, он и смягчил своим русско-итальянским вкусом излишнюю жесткость наполеоновского стиля, отчего этот стиль называют «итальянизирующим классицизмом». Другим видным архитектором этого же стиля был В. Стасов. Стиль итальянизирующего ампира в архитектуре Петербурга 1820-1830-х гг. следует отличать от более раннего стиля периода александровского классицизма, ориентированного на греческую архаику и французский Неоклассицизм 1760-х гг. Провинциальный «московский ампир» и стиль подмосковных дворянских усадеб отличался еще большим своеобразием, поэтому правильнее его называть не ампиром, а московским классицизмом. Последнюю фазу развития петербургского классицизма 1830-1840-х гг., в период царствования Николая I, иногда именуют «николаевским ампиром».

В Англии стиль Ампир также не получил широкого распространения. «Английским ампиром» иногда условно называют «стиль Георга IV» (1820-1830), наступивший после «английского стиля регентства», или «ридженси». Временем второго «Британского ампира» считается викторианская эпоха 1830-1890-х гг.


Другое, более редкое название Ампира - неоримский стиль. В период Второй Империи во Франции, годы правления императора Наполеона III (1852-1870), получил развитие помпезный и эклектичный стиль, несколько иронично называемый Вторым Ампиром. Династия Бонапартов сохранила свою эмблему - золотые пчелы на синем фоне (в отличие от лилий Бурбонов), они использовались художниками Ампира как декоративный мотив, но имели не римское и не египетское, а франкское происхождение, и восходили к эпохе Меровингов.

Видные представители

Примечательно и то, что ведущая роль в формировании нового стиля принадлежала не архитектору, как обычно, а живописцу Жаку-Луи Давиду . Еще накануне революции этот художник в картинах «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789) прославлял героические эпизоды из истории республиканского Рима, по мотивам книг Тита Ливия. Для работы над этими картинами, Давид заказал известному парижскому мебельщику Ж. Жакобу предметы обстановки по собственным рисункам, сделанным им с этрусских, как их тогда называли, ваз, найденных в раскопках Геркуланума и Помпеи в Италии. Давид участвовал в первой французской революции, затем, пережив тяжелый кризис, стал прославлять императора Наполеона так же, как до этого - идеалы свободы римской республики. Про художника говорили тогда, что в поисках своего героя он «сменил Цезаря на Брута». Слава превратила его в первого живописца Империи. Давид разрабатывал эскизы мебели, оформления интерьера, диктовал моду в одежде. В 1800 году он написал портрет знаменитой парижской красавицы мадам Рекамье в тунике на античный манер, возлежащей на кушетке с плавно изогнутым изголовьем, выполненной Жакобом, и стоящим рядом торшером в «помпеянском стиле». С легкой руки Давида эта картина положила начало моде на стиль «рекамье». В 1802 году похожий портрет мадам Рекамье, как бы соревнуясь с Давидом, написал его ученик Ф. Жерар.

Но сам император желал больше пышности и великолепия. Его придворными архитекторами стали Ш. Персье и П. Фонтен , ранее, в 1786-1792 гг., учившиеся в Италии, в Риме. Во Франции они оформляли интерьеры дворцов Мальмезон, Фонтенбло, Компьен, Лувр, Медон, Сен-Клу, Версаль, Тюильри, построили Триумфальную арку на площади Карусель в Париже, наподобие древнеримских.

В 1806-1836 гг. еще одна Триумфальная арка была возведена по проекту Ж.-Ф. Шальгрена . Скульптор А.-Д. Шодэ водрузил статую Бонапарта в образе Цезаря в римской тоге на вершину Вандомской колонны, другую статую, также работы Шодэ, император вез в обозе в Москву, чтобы установить ее в покоренном городе.

Примечательно, что в стиле Ампир было создано относительно мало выдающихся произведений архитектуры, скульптуры и живописи. Исследователь архитектуры И. Грабарь отмечал, что Персье и Фонтен были слабыми архитекторами: «педантичными компиляторами, довольно надоедливыми, скучными и даже не слишком изобретательными в своих орнаментальных разводах». Но, вероятно, столь резкая оценка Грабаря объясняется не столько скудностью таланта этих мастеров, сколько ограниченностью стиля. Примитивность содержания и жесткость идеологических установлений сделали Ампир не художественным стилем в полном смысле этого слова, а стилем декорации и даже поверхностного камуфляжа.

В своей угодливости придворные декораторы Наполеона доходили до абсурда. Так спальня императрицы Жозефины во дворце Мальмезон была превращена в некое подобие походной палатки римского центуриона, а одетые в «римские туники» женщины мерзли от холода в плохо отапливаемых парижских Салонах и в заснеженном Петербурге, во всем подражавшем французской столице. Воистину, говоря словами самого Наполеона, «от великого до смешного один шаг».

В 1812 г. вышло в свет грандиозное издание «Собрание эскизов для украшения интерьера и всех видов обстановки». Авторами были Персье и Фонтен. В комментариях к своим проектам они подчеркивали «возможность использования самых разных стилей всех времен и народов», но на первом месте следовало ставить «величественный стиль римлян». Это уже была декларация эклектики. Не случайно парижский декоратор этого же времени Ж. Зюбер прославился обоями, имитировавшими деревянную обшивку стен в неоготическом стиле «трубадур». А его конкурент Ж. Дюфур выпускал «картинные обои» на мифологические темы с «итальянскими пейзажами и античными фигурами».

Сущность этого стиля выражена уже в самом его названии: ампир - от французского "empire", империя. Заказчик стремился окружить себя блеском и пышностью, какие окружали некогда римских императоров. Заказчик этого интерьера уже много лет живет жизнью сибарита. За годы уже много прошло модных интерьеров, но в силу своей ментальности и стиля жизни он уже давно тяготел к Величественным и спокойным интерьерам, где все говорит за хозяина квартиры о его статусе

Освоение пространств квартиры носит характер прямого следования канонам стиля. Поверхности стен, потолков, ниш, пола и предметов корпусной мебели снова начинают обрабатываться колонками, пилястрами, карнизами. В оформлении Стен и потолков появляются декоративные мотивы: кариатиды, античные элементы, росписи.

В интерьерах ампира царят покой, упорядоченность, полная уравновешенность частей и строгая симметрия. Полы настилаются паркетом, составленным из цветных пород дерева. Потолки окрашиваются в белый цвет и либо отделываются по углам простым декором, либо расписываются. Стены иногда затягиваются тканями, драпированными на манер античных одежд, либо оклеиваются обоями со строгим рисунком. Экономно введенные в колорит интерьеров светлые тона и пятна позолоченной бронзы несколько смягчают строгость линий и суровость белого цвета.

Наверно и нам не стоит много рассказывать о сложности проекта и предоставить зрителю посмотреть фотографии интерьеров.

Стили в архитектуре / Ампир / Ампир в архитектуре и интерьере

Ампир - это стиль архитектуры и интерьера, который является своеобразным отражением римской классики в сочетании с египетскими мотивами. В переводе с латинского «imperium» обозначает - командование, власть, а в переводе с французского, ампир «empire» - империя.

Ампир появился в начале 19 века во Франции благодаря живописцу Ж.-Л. Давиду. Для своих картин, в которых он восхвалял великого императора и его империю, он делал особую мебель на заказ, что весьма пришлось по душе Наполеону и его свите.

Расцвет ампира наблюдался во Франции после буржуазной революции. Вдохновленные идеями Давида архитекторы Шарль Персье и Пьер Фонтен выполняли в этом стиле дворцы и усадьбы Наполеона I (Мальмезон, Фонтенбло, Версаль, Лувр и Тюильри). Этим пафосным, роскошным стилем Наполеон пытался показать не только величие римской империи, но и провести таким образом параллель со своим правлением во французских владениях.

После отечественной войны 1812 года ампир появился в России. Он ассоциировался с богатством и шиком дворянского сословия, поскольку требовал самых дорогих и красивых материалов. Так, мебель обычно исполнялась на заказ из красного дерева либо ореха. Позже в России стали использовать карельскую березу. Это было связано с запретом ввоза в страну красного дерева. Паркет из карельской березы очень ценился, поскольку благодаря разнообразной цветовой гамме дерева, художники могли создавать на полах необыкновенно красивые узорные композиции.

Мебель в стиле ампер отличалась функциональностью, удобством и изяществом. Часто использовалась раскладная мебель. Обеденный столик, рассчитанный на четверых, через минуту превращался в огромный обеденный стол для приема гостей. Конструкции табуретов были настолько замысловаты, что из них можно было сделать мольберт. Стулья и диваны повторяли форму человеческого тела, поражая своим удобством и изысканностью. Выпуклость спинки плавно переходила в ножку. Ножки часто делали в виде лап животных или птиц. Проектируя и создавая обстановку богатых домов, дворцов и усадеб, архитекторы стремились достичь единства стиля. Рисунок обивки мебели, стены, элементы интерьера, паркет и отделка потолка - все сочеталось и гармонировало между собой. Попав в Россию, этот стиль стал похож в большей степени на римский классицизм, нежели на «наполеоновский» ампир.

Французский ампир несколько отличался от классицизма. Особенно сильно это было заметно в цветовой гамме. В классицизме преобладают сложные гармоничные сочетания цветов, в ампире - яркие цвета наполеоновского флага: красный, синий и белый. Попадая в разные страны и города, этот стиль преобразовывался, подстраивался под местные правила и нравы. Ампир, который дошел до нашего времени тоже сильно изменился, скорее даже упростился, получив иное название - бидермеер (его называют ампиром в духе интимности и домашнего уюта). Цвета стали более гармоничными, величие, которое давали золотые элементы интерьера, ушли на второй план. В наше время их сменили детали из бронзы и накладки, сделанные под золото. Не изменились формы и используемые породы дерева. Элементами мебели и интерьера до сих пор служат колонны, музыкальные инструменты (например, арфы), вьющиеся растения.

Стили в архитектуре / Ампир / Ампир

Название произошло от французского empire -- имперский. Стиль, возникший во Франции на рубеже XVIII-XIX вв. Является органическим завершением длительного развития европейского классицизма. Основная особенность данного стиля -- сочетание массивных простых геометрических форм с предметами военной эмблематики. Его источником является римская скульптура, от неё А. унаследовал торжественную суровость и четкость композиции.

А. первоначально сложился во Франции на рубеже XVIII-XIX вв. в эпоху Великой Французской революции и отличался ярко выраженным гражданским пафосом. В период империи Наполеона искусство должно было прославлять военные успехи и достоинства правителя. Отсюда происходит увлечение строительством различного рода триумфальных арок, памятных колонн, обелисков. Важными элементами декоративного убранства зданий становятся портики. В отделке интерьеров часто используются бронзовое литье, роспись плафонов, альковов.

А. стремился приблизиться к античности больше, чем классицизм. В XVIII в. Архитектор Б. Виньон построил церковь Ла Мадлен по образцу римского периптера, используя коринфский ордер. Трактовка форм отличалась сухостью и подчеркнутым рационализмом. Те же черты характеризуют и Триумфальную арку (арку Звезды) на площади Звезды в Париже (архитектор Шальгрен). Возведенная Лепером и Гондуэном мемориальная Вандомская колонна (колонна "Великой армии") покрыта листами бронзы, перелитой из австрийских орудий. Идущий по спирали барельеф изображает события победоносной войны.

Стиль А. развивался недолго, ему на смену приходит время эклетики.

Эклектика

Соединение разностилевых э лементов. Эклектика прочно заняла свое место в современной жизни. Эклектика соединяет детали, почерпнутые из различных источников, выгодно обыгрывая и подчеркивая их за счет друг друга. Секрет эклектики заключается в ограничении двумя-тремя стилями и объединении их за счет фактуры, цвета и тд.

Эклектика (от греч. ekiektikos -- способный выбирать, выбирающий) - соединение разнородных художественных элементов; обычно имеет место в периоды упадка искусства. Элементы эклектизма заметны, например, в позднем древне-римском искусстве, комбинировавшем формы, заимствованные из искусства Греции, Египта, Передней Азии и др. К эклектизму тяготели представители болонской школы, которые полагали, что смогут достичь совершенства, соединяя лучшие, по их мнению, стороны творчества великих мастеров Возрождения.

В истории искусства наиболее заметное место занимает эклектизм архитектуры середины--2-й половины 19 в., чрезвычайно широко и зачастую некритически использовавшей формы различных исторических стилей (готики, ренессанса, барокко, рококо и др.); характерно, однако, что этот архитектурный и оформительский эклектизм с его "свободои выбора" архитектурных и орнаментальных мотивов оказал значительное влияние на становление целостного в своей сущности, но питающегося из самых разнообразных источников стиля "модерн".

В сфере изобразительного искусства эклектизм наиболее типичен для салонного искусства. Широкое расппостранение эклектических тенденции получили в западно-европейской и американской культуре с середины 20 в. в связи со становлением постмодернизма и модой на "ретроспективизм" художественного оформления, копирующий те или иные стилистические направления прошлого (в том числе и эклектизм 19 в.).

В московской архитектуре второй половины XIX в. наряду с «русско-византийским стилем» в крупнейших государственных и церковных постройках и «русским стилем» в общественных сооружениях, призванных выразить возрождение национальной культуры, во многих зданиях (в том числе совершенно нового типа, таких, как вокзалы, банки, торговые, конторские здания, крупные доходные дома) использовались элементы «европейских», так называемых «исторических», стилей (неоренессанс, необарокко, неорококо, неоготика). Несмотря на «многостилье», эклектика тяготела к созданию больших городских ансамблей в «русском» или «европейском» стилях (Красная и Лубянская площади, застройка Китай-города). Современный облик исторической части Москвы во многом сформирован эклектикой, основные принципы которой соответствовали требованиям укрупнившегося масштаба застройки. «Фасадная» архитектура эклектики, несмотря на некоторую дробность и монотонную повторяемость деталей, придала фронтальной поверхности зданий большую рельефность и живописность, в ней активно использованы рустовка, формы ордерного декора, богато украшенные наличники, тонко проработанная декоративная лепнина, стукковая скульптура, рельефы и статуи, в том числе фигуры атлантов и кариатид; появление эркеров внесло в структуру декора сильные пластические акценты. Большое внимание уделялось градостроительной роли крупных зданий, выразительности их силуэта, который заканчивался эффектными, издалека заметными куполами или островерхими покрытиями с гребнями. Характерной особенностью застройки Москвы 1870--90-х гг. стало появление монументальных, представительных, нередко перегруженных декором, иногда причудливых и вычурных по своим формам зданий, тем не менее достаточно органично «вошедших» в структуру города (Государственный банк на Неглинной улице, архитектор К.М. Быковский, 1893--95; Международный торговый банк на Кузнецком мосту, архитектор С.С. Эйбушитц, 1898; Сандуновские бани, архитектор Б.В. Фрейденберг, 1894--95). Для общественных зданий и особняков эклектики характерна отделка интерьеров в различных «исторических стилях» (классицизирующих, неоготическом, «мавританском» и др.).

Конструктивизм

Направление в русском (СССР) искусстве 1920-х гг. (в архитектуре, оформительском, и театрально-декорационном искусстве, плакате, искусстве книги, художественном конструировании, дизайне). Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу "конструирования" окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, её логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчёркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чём они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми. В архитектуре принципы конструктивизма были сформулированы в теоретических выступлениях А. А. Веснина и М. Я. Гинзбурга. Весниными проекте Дворца труда для Москвы (1923) с его чётким, рациональным планом и выявленной во внешнем облике конструктивной основой здания (железо-бетонный каркас). В 1924 была создана творческая организация конструктивистов--ОСА, представители которой разработали так называемый функциональный метод проектирования, основанный на научном анализе особенностей функционирования зданий, сооружений, градостроительных комплексов.

Наряду с другими группами советских архитекторов конструктивисты (братья Веснины, Гинзбург, И. А. Голосов, И. И. Леонидов, А. С. Никольский, М. О. Барщ, В. Н. Владимиров и др.) вели поиски новых принципов планировки населённых мест, выдвигали проекты переустройства быта, разрабатывали новые типы общественных зданий (Дворцы труда, Дома советов, рабочие клубы, фабрики-кухни и т. д.). Вместе с тем в своей теоретической и практической деятельности конструктивисты допустили ряд ошибок (отношение к квартире как к "материальной форме", схематизм в организации быта в некрых проектах домов-коммун, недоучёт природноклиматических условий, недооценка роли крупных городов под влиянием идей дезурбанизма).

Эстетика конструктивизма во многом способствовала становлению современного художественного конструирования. На ] основе разработок конструктивистов (А. М. Родченко, А. М. Гана и других) создавались удобные в пользовании и рассчитанные на массовое производство новые типы посуды, арматуры, мебели; художники разрабатывали рисунки для тканей (В. Ф. Степанова, Л. С. Попова) и практичные модели рабочей одежды (Степанова, В. Е. Татлин). Конструктивизм сыграл заметную роль в развитии плакатной графики (фотомонтажи братьев Стенбергов, Г. Г. Клуциса, Родченко) и конструирования книги (использование выразительных возможностей шрифта и других наборных элементов в работах Гана, Л. М. Лисицкого и др.). В театре традиционные декорации конструктивисты заменяли подчинёнными задачам сценического действия "станками" для работы актёров (работы Поповой, А. А. Веснина и др. над постановками В. Э. Мейерхольда, А. Я. Таирова).

Некоторые идеи конструктивизма были воплощены в западно-европейском (В. Баумейстер, О. Шлеммер и др.) изобразительном искусстве. Применительно к зарубежному искусству термин "конструктивизм" в значительной мере условен: в архитектуре он обозначает течение внутри функционализма, стремившееся подчеркнуть экспрессию современных конструкций, в живописи и скульптуре--одно из направлений авангардизма, использовавшее некоторые формальные поиски раннего конструктивизма (скульпторы И. Габо, А. Певзнер).

Модернизм

Модерн родился на рубеже веков в европейской архитектуре как движение за создание стиля своей эпохи.

Со второй половины XIX века по мере широкого использования новых строительных материалов, в первую очередь железобетона и стекла, развития инженерного дела, значение архитектурного творчества сало падать. Возникло разделение труда инженеров и архитекторов. К инженерам-строителям отошла значительная часть строительства зданий. За архитекторами осталась функция преимущественно оформительского приложения к победно шагавшей строительной технике. Архитекторы занимались в основном, декорированием сооружений, сконструированных инженерами без особых мыслей о целостности композиции. В архитектуре царило засилье эклектики и украшательства.

В 90-х годах прошлого века модерн определился как архитектурный стиль. Он явился средством преодоления эклектизма, овладевшего европейской архитектурой. Модерн преследовал цель создания нового универсального синтетического стиля. Великие мастера модерна в одном произведениисоединяли в сказочном организме архитектуру, пластику, живопись, декоративно-прикладное искусство.

Модерн возник в противовес рационализму XIX века. С появлением в строительстве чугуна и стали в общественных, а затемв промышленных и жилых зданиях стала формироваться новая номенклатура типов зданий, исходя из их функционального назначения: универсамы, общественные библиотеки и др. Жилые здания проектируются, исходя из их функционального зонирования. Рационализм развивался как бы изнутри. Функция определяла форму, форма следовала за функцией.

Уже к 70-м годам XIX века утвердилось мнение, что рационализм не совсем архитектурно-художественное течение, а скорее инженерное дело. В архитектуре стиль модерн расцвел бурно и пышно. Он окрасил собой целый период истории архитектуры в конце прошлого века и вошел глубоким массивом вглубь нашего столетия. Это течение известно под названиями: "стиль модерн" в России,"ар-нуво" в Бельгии и Франции, "сецессион" в Австро-Венгрии, "югендштиль" в Германии, "стиль Альберти" в Италии, "модерн стайл" в Великобритании, "стиль Тиффани" в США и т.д.

"Стиль модерн" развивается главным образом в архитектуре городских особняков и дорогих многоквартирных зданий, загородных вилл и дач. Архитекторы модерна при формировании планов и композиции зданий смело шли на применение асимметричных решений в группировке объемов и расположении оконных и дверных проемов. Здесь, в среде частной жизни весьма состоятельного заказчика, воображение архитектора обретает материальную опору и свободу творчества. Формы окон, дверей, лестниц становятся разнообразными чуть ли не до бесконечности. Декоративное убранство фасадов, а особенно интерьеров достигает невероятной изощренности. Огромное значение придается в нем выразительности текучих ритмов, цвета и фактуры узорной поливной керамической облицовки, кованного чугунного железа, оконных и дверных витражей. Витражи модерна уже не абстрактны, как готические, а несут в себе бионические природные формы.

Для модерна характерны силуэты и орнаменты, стилизующие в плавных, легко изгибающихся линиях формы растений и водяных раковин. Фасады отличались округлыми, иногда фантастически выгнутыми контурами проемов, использованием решеток из кованого металла и глазурованной керамики сдержанного по тону цвета: зеленого, лилового, розового, серого. В зодчестве распространились плакучие, мягкие, словно бы самообразующиеся формы, в декоративном творчестве - стелющийся по поверхности, разрастающийся, обволакивающий стилизованный орнамент. Ряд орнаментальных мотивов модерна был позаимствован из искусства Дальнего Востока, прежде всего Японии. Мотивы эти получили впоследствии большое распространение.

В модерне широко применялись как железобетон (теория расчетов которого появилась как раз в этот период), таки металл как конструктивно-декоративный элемент. Широко использовалось стекло в металлоконструкциях. Появление этих строительных материалов воздействовало на творческое сознание архитекторов и строителей. Они подсказывали необычные конструктивно-архитектурные решения, их развитие шло вразрез с укоренившимся в практике эклектизмом. Модерн пытается переосмыслить железобетон как новый строительный материал эстетически, а не как новое подсобное средство в строительстве.

Большую роль в формировании интерьеров стиля модерн сыграло появление электричества в 1900 году. Искусственное электрическое освещение оказало влияние на цветовидение интерьеров. Витражи, подсвеченные изнутри, придавали зданиям неповторимую привлекательность, а интерьерам - выразительность.

Несомненное завоевание модерна - целостный подход к оформлению отдельных помещений, стремление к ансамблевому их решению. Особый интерес модерн проявил к оформлению оконных проемов со специфическим рисунком переплетов и заполнявшими их витражами. Он активно применял поливные изразцы в облицовке отдельных вставок на поверхности стен и в оформлении оконных проемов. Одну из главных ролей в оформлении фасадов, оконных и дверных проемов играл плоский гипсовый лепной орнамент. В рисунках витражей в качестве орнаментальных мотивов использовались цветы - ирисы, маки, различные травы, а также лилии и другие водные растения с длинными тянущимися стеблями. Использовался и геометрический орнамент, в том числе мотив меандра в специфической, характерной для модерна прорисовке.

Большие технологические и художественные возможности были открыты в сфере стекла. В Лотарингии возникла Школа Нанси во главе с Э. Галле, культивировавшая сложную колористическую гамму цветов и фактур.

Модерн трактует стену не только как конструктивный и статичный по определению элемент. В эпоху модерна были заложены тенденции приближающегося к скульптуре выражения пластики стены в архитектурном объеме. Окна стали органичным выражением стиля. Впервые оконные и арочные проемы, их заполнения и декор становятся одинаково важной составляющей стиля как для фасада, так и в интерьере зданий.

Стены помещений окрашивались в пастельные тона - сиреневатые, зеленоватые, жемчужно-серые. С ними тонко сочеталась мебель новых форм. В мебели и гарнитурах преобладают тянутые, вялые волнистые очертания. Использовались и иные, чем ранее, породы дерева, в частности очень распространенным был серый дымчатый клен. Иногда в интерьеры вводилась облицовка нижних частей стен в виде панелей, которая выполнялась из тех же пород, что и мебель. Обивочные ткани чаще всего выпускались блеклых смягченных тонов с крупными стилизованными цветами, соединяющимися с разводами криволинейного рисунка. При внешней и внутренней облицовке зданий использовались керамика и майолика.

Родоначальником модерна считают бельгийского художника-архитектора Виктора Орта. Тип нового здания, возникший во времена формирования модерна как стиля, - универсальный магазин - наиболее интересен. Он требовал применения больших остекленных поверхностей. Новаторским с этой точки зрения можно назвать магазин "Инновассион", построенный Орта в Брюсселе в 1901 году. Сплошь остекленный, с металлическими переплетами, фасад этого здания освещал общий торговый зал первого этажа, торговые галереи верхних этажей и объединяющую лестницу.

Знаменитый дом Эмиля Тасселя (1892-1893), профессора Брюссельского университета, стал своеобразным манифестом нового стиля. В этом же стиле были построены еще два особняка - Эйтвельд и Сольвейг. Современников, которые совершали специальное паломничествов Брюссель для знакомства с творчеством Орта, поражали безордерность фасада особняка Тасселя, металлические переплеты больших окон эркера, как бы слившиеся с фасадом. Орта показал себя мастером интерьера. Он радикально меняет внутреннее пространство - открывает его, заменяя перегородки хорошо выполненными металлическими конструкциями. Комбинируя стекло и металл так, что образуются как бы прозрачные пленки, он достигает того, что свет проникает повсюду и лестничная клетка превращается в озаренный центр жилого помещения. Комнаты особняка залиты светом - Орта отвел половину площади первого этажа особняка со стороны двора под зимний сад, а непроходные комнаты верхних этажей расположил вокруг центрального холла и внутренней лестницы, освещенной стеклянным световым фонарем. Виктор Орта не только стремился использовать металл и стекло, но и, выявляя их органические качества, придать им новую архитектурно-художественную выразительность. На фасаде, который иначе выглядел бы почти классическим, каменные углы железных оконных "фонарей" выполнены так, чтобы подчеркнуть наличие внутреннего металлического каркаса. Он искал и нашел новый стиль, который по существу стал выражением материального благополучия нарождающегося класса буржуазии, индивидуальности и утонченности.

В особняке Тассель Орта впервые применил линию, названную "удар бича". Она явилась образным выражением напряжения металла, воплощением нервного, напряженного духа эпохи, его эмблемой. Изящество ее изгиба стало образцом графического искусства и стилизации в окнах и витражах зданий стиля модерн.

В Германии новый стиль распространился несколько позже, чем в других странах Европы. Он получил название "югендстиль" ("Югенд" - художественный журнал, вокруг которого группировались сторонники этого течения).

Программной постройкой немецкого модерна можно по праву считать фотоателье "Эльвира" (1897-1898) архитектора Августа Энделя.

Как и в других странах, с появлением железобетона получило развитие строительство крытых рынков, выставочных павильонов, залов для празднеств. Были созданы оригинальные пространственные решения фасадов и интерьеров с широким применением стекла и металла.

Наиболее интересным в этом отношении является немецкий архитектор Бруно Таут (1880-1938). Его "Железный дом" - выставочный павильон -был сооружен на строительной выставке в Лейпциге в 1913 году, в виде поставленных друг на друга, постепенно уменьшающихся объемов, увенчанных куполом. Каждая грань павильона отделена широкой полосой металла и со стороны воспринималась, как гигантская остекленная клетка. Другой павильон, сооруженный Таутом для выставки Веркбунда в Кельне и получивший название "Стеклянный дом", представлял собой прозрачный двенадцатигранный объем с большим куполом, состоящим из стеклянных пластин ромбовидной формы.

В творчестве архитектора Ганса Пельцига (1869-1936) заметна подчеркнутая экспрессивность. Это вертикали больших окон в построенном им конторском здании (1911) в Бреслау, ритмически разнообразные по размеру и очертаниямокна промышленной химической фабрики в Леобане, близ Познани.

Архитектурное течение ар-нуво внесло в архитектуру Франции свежую струю поиска и, что было особенно существенным, оказалось первым стилистическим течением, порвавшим с подражательскими стилями. Первый салон под название "Ар-нуво" открылся в Париже в 1895 г. Здесь соседствовали живопись и скульптура (Роден), прикладное искусство, стекло Галле и Тиффани, ювелирные изделия Лолика, графика Бодслея, Брэдли, Макинтоша.

Главным представителем модерна в архитектуре Франции был Гектор Гимар.В 1899 году он получил заказ на строительство станций парижского метрополитена. В этих необыкновенно легких, повторяющих органические формы павильонах из стекла и металла, сочетание конструктивных и декоративных элементов было особенно удачным.

Стиль модерн оказал свое влияние также на строительство Венского метрополитена. Отто Вагнер, выразитель идей "сецессиона", руководитель кафедры архитектуры в Академии пластических искусств, стремился к созданию нового стиля, который избавился бы от повторений прошлого и был созвучен времени. Станции метро, спроектированные и построенные Вагнером, отличаются простотой и чистотой линий модерна, изящно очерченными линиями оконных и дверных проемов, большими плоскостями остекления, использованием металла.

При обращении к модерну, расхожая фраза - "окна - глаза зданий" - приобретает особый смысл. Причудливые окна и витражи модерна смотрят на мир загадочным взглядом экзотической красавицы.

Антонио Гауди-и-Корнет - самый необычный и своеобразный архитектор стиля модерн. Средитечений модерна его творчество было настолько обособлено, что его выделили особым названием - "антониогаунд".Его творчество, пожалуй, одно из самых противоречивых явлений в европейской архитектуре. Своеобразие стиля знаменитого испанца в том, что появившийся железобетон он использовал для имитациив своих сооружениях сложных органических форм природы, подражая сложным конфигурациям и линиям, свойственным скалам, деревьям, раковин. Окна плавно очерченных линий несмело выглядывают из-под железобетонных "надбровий", увитых сложными лепными украшениями. Одно из самых известных построек Гауди - дом Мила, в народе прозванный "Ла Педрера", что означало "каменный". Этот, расположенный на угловом участке, шестиэтажный доходный дом напоминает огромную скалу, его оконные и дверные проемы похожи на гроты, а металлические детали балконных ограждений - на причудливые вьющиеся растения.

Творцы модерна свободно прибегают к асимметричным формам и композициям. Оконные и дверные проемы их заполнения причудливыми изгибами органично вплетаются в живую пластику зданий нового стиля.

Модерн был не только элитарным явлением. Он стал зачинателем массовой культуры. Если рационализм получил широкое распространениеза 50 лет, то семена модерна разлетелись по миру буквально за одну неделю благодаря появлению ротационных машин и, как следствие, массовому распространению печатной продукции - газет и журналов, развозимых поездами. Модерн господствовал в архитектуре 20-25 лет и получил продолжение в функционализме и экспрессионизме.

Японский стиль по свидетельству дизайнеров, самый востребованный сейчас этностиль. Это минималистско-декоративный стиль, в котором ничто не перегружает внимание, пространство структурировано спокойно и внятно. В территориально небольшой, переселенной стране особо ценится пространство, почему и внутреннее устройство помещений сводит к минимум мебель и прочие привычные атрибуты дома, с тем чтобы компенсировать его дефицит. У японцев особое отношение к природе, поэтому японский стиль ассоциируется с природными цветами, преимущественно в светлой гамме: оттенки бежевого, белый, кремовый, молочный. Сдержанные светлые тона характерны и для японской мебели, поверхность мебели и стен гладкая, нефактурная. Ткани тоже кремовые и белые, преимущественно натуральные: хлопок и шелк. В стране восходящего солнца место для отдыха располагается в центре комнаты. Типичная деталь - японская раздвижная стенка, и конечно, бамбуковая мебель. Иероглефы - почти неизбежный атрибут оформления жилья "под Японию. "В таком интерьере прекрасно вписывается скромная невысокая мебель, диванчики и столы разной высоты.

Описание презентации ИСТОРИЯ ИСКУССТВА ЕВРОПА. 19 век. АМПИР по слайдам

АМПИР Амп рии (от фр. empire style - «имперский стиль») - стиль позднего классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период правления императора Наполеона I; развивался в течение трёх первых десятилетий XIX века; сменился эклектическими течениями. Включил образцы античного искусства: архаической Греции и имперского Рима: военную эмблематику в архитектурных деталях и декоре (воинские доспехи, лавровые венки, орлы и т. п.). Ампир включил в себя также отдельные древнеегипетские архитектурные и пластические мотивы (большие нерасчленённые плоскости стен и пилонов, массивные геометрические объёмы, египетский орнамент, стилизованные сфинксы).

Ампир Ампир коренным образом отличается от Классицизма. Мягкую и светлую гармонию искусства периода Людовика XVI и демократическую строгость стиля Директории сменили парадный пафос и театральное великолепие «Стиля Первой Империи» . Наполеон стремился к блеску и ореолу славы римских императоров. Если свободно возникший Классицизм был ориентирован на демократические Афины периода классики Века Перикла, то художникам французской Империи было строго указано брать за образец формы искусства Древнего Рима. Ведущая роль в формировании нового стиля принадлежала не архитектору, как обычно, а живописцу -Ж. -Л. Давиду. Еще накануне революции этот художник в картинах «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789) прославлял героические эпизоды из истории республиканского Рима, по мотивам книг Тита Ливия. Для работы над этими картинами, Давид заказал известному парижскому мебельщику Ж. Жакобу предметы обстановки по собственным рисункам, сделанным им с этрусских, как их тогда называли, ваз, найденных в раскопках Геркуланума и Помпеи в Италии. Давид участвовал в первой французской революции, затем, пережив тяжелый кризис, стал прославлять императора Наполеона так же, как до этого — идеалы свободы римской республики.

Ампир: архитектура Триумфальная арка (фр. arc de triomphe de l’Étoile) - монумент в 8 -м округе Парижа на площади Шарля де Голля (Звезды), возведённый в 1806- 1836 годах архитектором Жаном Шальгреном по распоряжению Наполеона в ознаменование побед его Великой армии.

Битва при Арколе - сражение французской армии под командованием генерала Наполеона Бонапарта с австрийской армией под командованием Альвинци происходившая с 15 по 17 ноября 1796 года. Битва закончилась разгромом австрийской армии. Во время битвы Наполеон выказал личный героизм, возглавив одну из атак на Аркольский мост со знаменем в руках. Вокруг него погибло больше десятка солдат, включая адъютанта Наполеона Мюирона, погибшего, прикрывая Бонапарта своим телом от вражеских пуль.

Египетский поход Бонапарта Гро Жан Антуан (1771- 1835) Наполеон в госпитале чумных в Яффе. 1803- 04.

Египетский поход Бонапарта В 1798- 1801 годах по инициативе и под непосредственным руководством Наполеона Бонапарта была сделана попытка завоевания Египта. египетская экспедиция Наполеона привела к росту интереса к древней истории Египта. В результате экспедиции было собрано и вывезено в Европу огромное количество памятников истории. В 1798 году был создан Институт Египта (фр. L’Institut d’Égypte), который положил начало масштабному разграблению наследия древнего Египта. Розеттский камень. Британский муей.

Жан-Луи Давид. Портрет мадам Рекамье (известная красавица, хозяйка знаменитого литературно-политического салона, который в то время был интеллектуальным центром Парижа. Её имя стало символом, олицетворявшим хороший вкус и образованность. Она была «звездой» европейского масштаба).

Андромаха у тела Гектора. 1783. Музей Лувр, Париж Сюжет этой картины восходит к «Илиаде» Гомера: Гектор, доблестный предводитель троянцев, был сражен в поединке Ахиллом и оплакан верной женой Андромахой. Общественно-политический смысл этого произведения очевиден. Андромаха театральным жестом указывает на тело героя, отдавшего жизнь за родной город. Культ отчизны во французском обществе предреволюционной поры противопоставлялся идее служения королевской власти. Произведение отличается ясностью и простотой композиции, светотеневая лепка полновесна и отчетлива. Большое внимание уделено Давидом исторической достоверности изображаемой среды. Андромаха, супруга Гектора - дочь царя Цетиона в мизийском городе Фивах и супруга Гектора, принадлежит к благороднейшим женским образам Гомеровой «Илиады» . Еще во время ранней ее молодости отец и семь братьев были убиты Ахиллом. Выйдя потом за Гектора, Андромаха родила ему Астианакса и привязалась к своему мужу самою горячею любовью, трогательными памятниками которой остались ее разговор с ним перед отправлением Гектора на битву с Ахиллом, равно как ее плач об убитом (Илиада 6 и 24). После завоевания Трои Андромаха была отдана в добычу сыну Ахилла, Пирру, который увез ее с собою в Эпир, и где она родила ему сына (а по другим сказаниям - трех сыновей). Впоследствии Андромаха стала супругой Элена, брата Гектора, и родила ему сына Кестрина. После смерти Элена Андромаха вместе с одним из своих сыновей возвратилась в Мизию, где этот сын приобрел область Тейеранию и дал свое имя основанному им городу Пергаму. В честь Андромахи был там сооружен храм. Еврипид использовал образ Андромахи в качестве героини одноименной трагедии.

Жан-Луи Давид. Клятва Горациев 1784. Музей Лувр, Париж. Художнику удалось создать образ-символ - олицетворение безграничного гражданского мужества. В основе картины лежит рассказ римского историка Тита Ливия, согласно которому трое братьев из рода Горациев были выбраны, чтобы сразиться с тремя лучшими воинами враждебного Риму города Альба-Лонга - братьями Куриациями. Давид запечатлел момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть, а их отец протягивает им боевые мечи. Давид в этой картине противопоставляет идеалы патриотизма, гражданственности и самопожертвования во имя родины мужчин страданиям и сентиментальной слабости женщин.

Жан-Луи Давид. Клятва на поле для игры в мяч. Эскиз. 1789 (символ национального единства в борьбе против старого режима).

Ампир: общая характеристика Имперская роскошь ампира Стиль ампир (или имперский) переживал эпоху своего расцвета в начале XIX века, во время правления Наполеона I. Его прародителем считается архитектура великих империй древности – Египта, древней Греции и Древнего Рима с их неизменным стремлением обнародовать мощь и силу государства, и подчеркнуть величие и мудрость правителя. Монументальные формы, тяжеловесная массивная мебель, обилие лепнины, деревянной резьбы и позолоты говорили о роскоши, а классическая строгость подчеркивала утонченный вкус. Парадный и торжественный стиль до сих пор очень востребован, особенно в России и Франции. Характерные черты Ампир узнаваем по преобладанию римских архитектурных форм – колонн, пилястр, украшенных резьбой карнизов и консолей. Мебель часто украшается резными фигурами животных. Ножки диванов, массивных кресел и столов выполняются в виде львиных лап или лап грифонов, сфинксов или мифических животных, дополняются завитками и позолотой. Именно в эпоху Наполеона I в моду входит красное дерево. Из него вырезали тумбы, столы, комоды, стулья, кресла и другую домашнюю мебель а также ларцы, шкатулки, рамы для зеркал и картин. Сложный красивый рисунок красного дерева часто подчеркивали медные и позолоченные окантовки, а также дорогая шелковая ткань, вытканная золотом. Пол в помещении традиционно выкладывали разноцветными породами дерева, потолок красили в белый цвет, что расширяло пространство и делало его более светлым, и повсеместно использовали зеркала. Они были в нишах стен, над диванами и кроватями, на дверцах шкафчиков и даже между ножек мягкой мебели. Литера N отчетливо читалась в украшении интерьера, также как и щиты, знаки легионеров, копья и стрелы. Дань периоду правления Наполеона I – раздвижная мебель, которую можно было использовать в военных походах.

Ампир как декоративно-прикладное искусство Увлечение неоклассицизмом возникло в Европе в конце 18 века. Раскопки городов Геркуланум и Помпеи, влияние идей Руссо и Дидро – повлекло за собой моду на античность, на все греческое и римское. А в те далекие времена одним из самых популярных ювелирных изделий была камея. Её вырезали из различных полудрагоценных камней, чаще, из оникса или из агата, которые имеют различные слои контрастных цветов. Мода на резные камеи усугубилась после итальянской кампании Наполеона в 1796 году. При Наполеоне имперский псевдо — римский стиль особенно хорошо прижился, поскольку помогал Бонапарту подчеркнуть размах своих амбиций. Корона императора при коронации была украшена старинными камеями.

Поздние портреты живописца были исполнены Давидом в изгнании, в Брюсселе. Там поселяется стареющий художник после разгрома наполеоновских армий и реставрации Бурбонов, которые не могли простить ему преданности Наполеону и особенно того, что во времена революции якобинец Давид был другом Робеспьера и голосовал за казнь Людовика XVI. Жан-Луи Давид. Зинаида и Шарлотта Бонапарт. 1821. Музей Гетти, Лос Анджелес.

Наполеон и Лувр Французского императора Наполеона I всегда озаряли лучи военной славы. Современникам и потомкам он запомнился в первую очередь как один из величайших полководцев в мировой истории, а его эпоха с тех пор стала называться «эпохой наполеоновских войн». Старейший музей Франции, знаменитый Лувр, бережно хранит память о вкладе Наполеона Бонапарта не только в военное искусство, но и в культурное наследие человечества. В империи, созданной Наполеоном за очень короткий срок, искусству отводилась особая роль. Оно должно было не только прославлять французское оружие и служить упрочению власти нового императора, но и способствовать развитию «наполеоновской легенды», создателем и творцом которой во многом был сам Наполеон. Музей Лувр был создан после Великой французской революции на основе бывших королевских художественных коллекций и вскоре получил название «музей Наполеона». Энергия, ум и административный талант французского императора смогли привлечь к формированию нового музея лучших архитекторов, скульпторов и художников. Именно в Лувре была собрана самая блестящая коллекция культурных сокровищ мира. При этом были использованы новаторские принципы построения экспозиции. Музей, поражавший своим великолепием и оригинальностью, вскоре приобрел общеевропейскую известность и оказал огромное влияние на дальнейшее развитие музейного дела. Тот факт, что в эпоху наполеоновских войн Россия сыграла главную и решающую роль в противостоянии с французской империей, а российский император Александр I во главе общеевропейской коалиции вошел в 1814 г. в Париж, хорошо известен. Не менее известно и многовековое взаимовлияние французской и русской культур. Впервые в России в стенах Государственного исторического музея открывается выставка шедевров Лувра, Музея замка Фонтенбло, Национального музея замков Мальмезон и Буа-Прео, Музея декоративных искусств в Париже, Национального фонда мебели и мануфактур Гобеленов, Бове и Савонри в Париже, Музея Карнавале в Париже, Музея Армии в Париже, Национального музея керамики в Севре, Музея национального достояния в Версале и других французских музеев. В то время творили В. Динон, Ш. Персье, П. Фонтен, Ж. Л. Давид, А. Ж. Гро, Ф. Жерар, Ж. О. Д. Энгр, Т. Жерико, Ж. Ф. Свебах, Г. Верне, А. Д. Шоде, А. Канова, Ф. Н. Делестр, Н. Н. Буте, М. Г. Бьенне, Ж. Б. К. Одьо, П. Ф. Томир и др. Их работы, а также произведения мастеров Версальской оружейной, Севрской и Лионских мануфактур, мануфактуры Гобеленов и Савонри экспонируются на выставке. Значительное место занимают личные вещи самого Наполеона и членов его семьи. Выставка «Наполеон и Лувр» дает возможность по-новому увидеть и оценить роль Наполеона в развитии французской истории и культуры, познакомиться с исключительными образцами европейского искусства и мирового культурного наследия.

Цифрой 1 обозначен Шарль Персье, рядом с ним (цифра 2) — Пьер-Франсуа Фонтей. Обратите внимание, что оба архитектора одеты в синие мундиры членов Французской академии. Цифрой 3 обозначен Император Наполеон I, позади него под цифрой 4 выглядывает улыбающийся Виван Данон, рядом с которым стоит начальник наполеоновского штаба маршал Бертье (5). Около лесницы справа в тюрбане — личный телохранитель Наполеона, мамелюк Рустам (6), привезенный им из Египетского похода, на лестнице стоит седовласый Камбасер с (7), архиканцлер империи и ее президент Сената, создавший знаменитый Кодекс Наполеона.